Arte Abstracto

¿Cuándo?

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 influido notablemente por la aparición de la fotografía. Este nace en reacción en contra del imperialismo, a las circunstancias políticas de la época (imperialismo, guerras, etc.) y a la aparición de las doctrinas de Freud sobre la importancia del subconsciente. Este tipo de pintura, que al principio fue muy criticada, se convirtió en uno de los más importantes fenómenos de la historia del Arte. Nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky (imagen Abstracción Geométrica), en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas.

¿Qué?

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta, entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

La abstracción pura o figurativa, es probablemente, el culmen ideal del arte. En el fondo, toda representación artística es una abstracción de la realidad, y la abstracción pura prescinde de todo elemento que vincule la obra de arte con el mundo natural, para quedarse exclusivamente con la idea: con el concepto y la belleza.

¿Cómo?

Remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta.

¿Quién?

Wassily Kandinsky

Nació en Moscú en 1866 y falleció en Neully-sur-Seine, Francia, en 1944. Compaginó sus estudios de derecho y economía con el dibujo y la pintura. Al cumplir los treinta años abandonó su carrera como docente para ir a estudiar pintura a Munich. Asistió a las clases de F. Stuck y allí conoció a Paul Klee, con quien mantuvo una gran amistad. También realizó diferentes viajes por Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, entrando en contacto con el postimpresionismo, el Jugendstil (modernismo) alemán, el fauvismo y el cubismo.

                                 

‘En azul’  presenta enormes diferencias con las obras elaboradas por el artista en la segunda década del siglo. Las pinceladas ejecutadas libremente han dado paso a rígidas formas geométricas. Los colores grabados han sido sustituidos por colores aplicados de forma homogénea en las superficies del lienzo. En lugar de referencias figurativas alusivas a jinetes, construcciones arquitectónicas o paisajes, la composición muestra formas elementales de círculos, triángulos y cuadriláteros. El componente narrativo queda reemplazado por una organización compositiva de carácter simbólico. Como en muchas otras obras realizadas por Kandinsky en los años veinte, el cuadro ‘En azul’ muestra una forma circular en el centro de la composición pero tampoco aquí domina el

  Conjunto de ningún modo .Las formas geométricas se organizan delante de un fondo azul y componen una compleja estructura de circunferencias, segmentos de círculos, triángulos y cuadriláteros que se superponen graduándose suavemente. Kandinsky había visto ejemplos

 De este tipo de transparencias en el taller de vidriera de la Bauhaus y las trasladó a la pintura, tal como también hizo Paul Klee. Los elementos se agrupan formando dos complejos entramados de formas. La gran estructura del centro de la imagen, en la que todos los elementos parecen adherirse a una forma triangular oscura , está acompañada por una figura más pequeña ubicada en la esquina inferior izquierda. Las dos metaformas están rodeadas por una aureola de color resplandeciente. La composición ha motivado en múltiples ocasiones su comparación con un orden cósmico.

Sitografía

http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto#cite_note-0

http://mercedestamara.blogspot.com.ar/2012/07/en-azul-de-wassily-kandinsky.html http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html

Futurismo

 ¿Cuándo?

Fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redacto el Manifeste du futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909.

EL contexto político, social, económico:

Durante el gobierno del presidente liberal Giovanni Giolitti fue posible llegar a el  ‘primer milagro económico’, que fue la estabilidad gracias a la metalurgia, electrificación, química, automóviles y la industria de seda. Aunque por otro lado también se había presentado una crisis por el asesinato del rey Humberto I por un anarquista.

Pese a esto Giolittituvo un gran gobierno, tratando de apaciguar y solucionar los problemas de Italia en esta época.

Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

¿Qué?

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática

¿Cómo?

Técnicas:

·         La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.

·         Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos.

·         A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura

·         Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo

¿Quién?

Umberto Boccioni (1882 -1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista

Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y escribió el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el movimiento de las formas y la concreción de la materia.

Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración

‘Formas únicas de la continuidad del espacio’ (1913) no pretende representar un cuerpo según una concepción realista, sino transmitir la acción de dicho cuerpo a partir del estudio de la musculatura y el movimiento humanos. La extensión de las extremidades de este prototipo crea en el espectador la sensación de encontrarse ante una obra dinámica. Otra fuente del artista fue el cubismo, del que aprovechó la representación simultánea de diversos lados de un mismo elemento para conseguir la deseada sensación de desplazamiento. La pasión de los futuristas por el movimiento llevó a Filippo Tommaso Marinetti, ideólogo del grupo, a declarar que un coche de carreras es más bello que la Victoria de Samotracia, escultura con la que, paradójicamente, se compara hoy esta obra

Sitografía

http://literatura-historia.blogspot.com.ar/2012/11/futurismo-contexto-historico.html

http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/senyoretes/hiper0710.html

http://www.slideshare.net/vmactz/futurismo-15333837

Cubismo

¿Cuándo?

Los orígenes del cubismo hay que situarlos en las experiencias que llevan a cabo Pablo Picasso y Georges Branque entre 1906 y 1909. El nombre del movimiento se le dio un poco después, cuando expusieron algunos paisajes en el Salón de Otoño de 1908, que parecían tener forma de cubos, se usó el término “cubismo” para identificar una forma de pintar basada en los planos luminosos y transparentes que definían las cosas.

La primera mitad del siglo XX se caracteriza por los grandes cambios que se fueron produciendo en casi todos los órdenes: social, con el asentamiento de la lucha de clases y el triunfo de las primeras revoluciones proletarias; el político, con el desarrollo de la Revolución Rusa que cambia completamente el panorama político, y con las dos grandes guerras mundiales, con el gran impacto psicológico que dejaron en todo el mundo.

¿Qué?

En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.

Bodegones, paisajes y retratos

¿Cómo?

Técnicas:

·         La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.

·         el collage. 

·         Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

·         Se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano

·         Utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

·         Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano

·         No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

¿Quién?

Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte,2 el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años.

                                    

"Las Señoritas de Avignon" En este cuadro se puede observar la profunda impresión que le produjo el arte ibérico expuesto en París, arte prehistórico y popular. Más decisivo para él que el arte expuesto en el Museo del Prado, que ya conocía perfectamente. Era el arte primitivo de su patria. La frontalidad que aparece en las figuras recuerda a las pinturas egipcias. La sencillez de trazos, los desnudos, las máscaras negroides, todo remite a un arte primitivo, pero que ha sido leído y expuesto de tal forma que implica una absoluta modernidad.

A pesar de su aspecto descuidado, no es un cuadro improvisado, sino que para su realización hizo muchos bocetos y estudios. Es, además, un cuadro muy grande y trabajado.

La radical modernidad de este cuadro, casi una revolución, es su descarada agresión al naturalismo. Pierde totalmente el respeto a lo visible, lo que implica que la obra de arte se convierte en un mecanismo mental de creación artística. El espectador debe imaginar la realidad interpretando el cuadro conscientemente y no intuitiva o pasivamente. En este cuadro todas las convenciones literales y todos los detalles, han desaparecido después de un largo trabajo de composición. A

base de grandes manchas de color se ha conseguido, no la imagen de un desnudo, sino su símbolo, una figura mágica. Se ha dado un paso decisivo en la historia del arte, de la imitación de la realidad a su interpretación con un lenguaje exclusivamente pictórico.

Este es el cuadro que inicia el camino del cubismo, ya que en él se observa una primera descomposición de las figuras en un afán de simplificar las formas. Los planos se vuelven geométricos y los colores planos. Sus cuadros recuerdan a los de Cézanne.

Sitografía

http://www.taringa.net/posts/arte/14751366/Pablo-Picasso-El-padre-del-Cubismo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

http://www.arteespana.com/cubismo.htm

Fauvismo

¿Cuándo?

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración, se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente y fue fuertemente criticado en su época.

Para el Fauvismo, y como para otras vanguardias, es necesario considerar la ruptura con lo anterior, en este caso con el XIX. Por otra parte es imposible comprenderlo sin considerar hechos históricos que, ya sea directa o indirectamente, influyeron en la gestación de este movimiento. Por una parte encontramos "La Revolución Industrial" y los grandes adelantos de la técnica que ayudaron a moldear la mentalidad del hombre a principios del siglo XX. Y también cabe destacar los aportes de grandes filósofos que con sus teorías reveladoras hicieron nacer nuevos pensamientos y maneras de mirar el mundo.

La invención de la fotografía hizo surgir entre los jóvenes pintores la inquietud por la investigación de nuevas fronteras en el arte y sobre todo, de una mayor subjetivación. Con objetivos parecidos y con la misma concepción subjetiva de la pintura, nacen por las mismas fechas los dos movimientos pioneros del siglo XX: el fauvismo y el expresionismo.

Lo que ellos querían lograr era hacer más comprensible y comunicativa la pintura y aunque emplean los mismos métodos (la síntesis, la ausencia de detalles accidentales, la concisión y la discontinuidad) y también ambas tendencias artísticas pretenden los mismos fines: el efecto, la expresión, hay aspectos que separan los dos movimientos. Los fauvistas no se preocupan del sentido metafísico y de los problemas sociales (cosa que si hacen los expresionistas), ellos gozan más con la investigación plástica, la pasión por el color será su manifestación más destacada.

¿Qué?

Tienen una temática casi exclusivamente paisajística: continuando con el criterio impresionista de la pintura al aire libre, elaboran una obra en contacto directo con la naturaleza. Porque el fauvismo es, sobre todo, el producto de la libertad artística, de la ausencia de limitaciones. Liberados de los prejuicios de la anatomía, de la perspectiva convencional, de la proporción,

¿Cómo?

·         Simple, directa, concisa;

·         Uso de los colores puros, tal como salen del tubo;

·         Deseo de captar rápidamente la imagen forjada en la mente;

·         Dibujo simple, parecido a un arabesco; sin embargo, es, juntamente con el color, el elemento trascendental del cuadro;

·         A veces las figuras y los objetos llevan un contorno negro, delimitador, que suple la falta total de modelado;

·         Utiliza, pues, los perfiles y, así, consigue este efecto de monumentalidad y síntesis;

·         La fuerza del valor de sus cuadros está en la disposición de los elementos, en la composición de un conjunto expresivo y armónico;

·         Para los fauvistas, el cuadro es un espacio espiritual: no se trata de copiar el color y la luz, como habían hecho los impresionistas, sino de expresar la luz a través del color; teóricamente y prácticamente los fauvistas inician el camino hacia el arte abstracto.

¿Quién?

Henri Émile Benoît Matisse (1869 – 1954): Pintor francés líder del fauvismo y maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.

Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media.

Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura.

En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente.

Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas, atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905.

Murió el 3 de Noviembre de 1954 en Niza, a la edad de ochenta y cinco años.

La alegría de vivir (1906): Obra de un paisaje idílico, dónde el placer se muestra a través del baile, de la música, del amor…Momentos de disfrute y felicidad que nos acompañan a lo largo de nuestra existencia independientemente del siglo en el que hayamos nacido. Matisse te está invitando a disfrutar de su sueño, a través de una pintura concebida como un puro goce en sí mismo. El artista inunda la obra con manchas de colores estridentes que se alternan rítmicamente y nos invitan a relajarnos. Colores que poseen la cualidad de resultar iridiscentes, es decir, cambian de aspecto atendiendo a la luz externa que los ilumina. Matisse aseguraba que sus obras poseían un fuerte poder de sugestión y que se percibían de forma muy distinta a lo largo del día. Los colores nos transmiten sensaciones y el dibujo subraya la existencia de la figuras, devolviéndonos de nuevo a la realidad. Es una pintura decorativa y banal, una pintura sin más pretensiones intelectuales que la expresión misma de unos sentimientos.

Sitofrafía:
https://es.wikipedia.org/wiki/Fovismo
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

http://www.swingalia.com/pintura/caracteristicas-del-fauvismo.php
http://www.slideshare.net/esconditepersonal/el-fauvismo-6459361

Expresionismo

¿Cuándo?

El Expresionismo nace en la Europa oriental a comienzos del siglo XX y rápidamente se extendió por el mundo hasta llegar a norte América donde el presidente Roosevelt inicio un programa de fomentación del arte donde los artistas podían acceder a un sueldo a cambio de todas las obras que crearan cada mes, mientras tanto en Alemania las obras expresionistas eran perseguidas por el nacional socialismo (movimiento nazi) ya que eran consideradas arte impura, por otro lado desde el punto de vista del diseño gráfico el expresionismo fue una gran herramienta publicitaria ya que por el impacto de sus colores y los sentimientos que transmitía las piezas publicitarias que eran creadas con este tipo de arte generaban fuertes impactos a las masas.

¿Qué?

La temática del Expresionismo era la soledad y miseria, reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939).  En él se aplica a un arte en el que el autor expresa con el mayor vigor posible su propia visión del mundo y abandona las ideas tradicionales del naturalismo para rendir culto a las distorsiones y exageraciones de forma y color que expresan de manera compulsiva las emociones del artista.

¿Cómo?

Técnicas:

·         Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.

·         Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.

·         Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.

·         Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

¿Quién?

Edvard Munch (1863-1944) pintor y grabador, nació el 12 de diciembre de 1863 en Löten, Noruega. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años más tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato.

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin, visita allí los Salones y el Louvre que le impresionó notablemente. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

 

‘El Grito’ es una de las obras más conocida pintada por Edward Munch. El autor describe su pintura como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la persona en situación desesperada. Esta obra es el símbolo de la soledad y la incomunicación, además de la impotencia. La naturaleza oscila, se curva y se transforma al mismo ritmo que el personaje del primer plano; éste no expresa ya una soledad remediable, sino la angustia absoluta, la soledad del hombre ante la vida y la muerte.

Munch describió así la experiencia que lo llevó a pintar esta obra: "Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza".

Sitografía:

http://artetorreherberos.blogspot.com.ar/2010/05/la-pintura-expresionista.htmlhttp://www.teleportal.com.ar/Educacion/Secundaria/Historia%20del%20Arte/El%20Expresionismo.htm

Neoimpresionismo

¿Cuándo?

Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas (que utilizan la pincelada dividida en trazos muy pequeños) y los Puntillistas (que emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer totalmente la imagen). En realidad se trata de un impresionismo radical, en cierta manera disidente, que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de Michel Eugène Chevreul.

La palabra Neoimpresionismo se empleó por vez primera en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar la corriente artística de finales del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac.

¿Qué?

Los temas continúan siendo los típicos del impresionismo, incluso se hace más hincapié en el tiempo de ocio burgués. Tenían una predilección por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses.

En el neoimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que se responden a las inquietudes de los diferentes artistas.  A estos ni hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.

Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color y las figuras se hacen geométricas.

¿Cómo?

Las técnicas que utilizaron fueron Puntillista o Divisionista. El impresionismo tuvo una falla muy grave que fue la de desproveer de importancia a los temas, composición, autor y espectador del único sentido de la pintura: La Estética. Por ello el puntillismo trata de recuperar de cierta manera el carácter científico de dicha investigación de los colores, mediante los diversos estudios sobre los colores, así como de sus combinaciones, para poder ser ejecutados por medio de pinceladas muy minuciosas que van a evitar la mezcla heterogénea que hacían los impresionistas. Los puntillistas aplican los colores sobre la tela sin mezclar, en forma de pequeños toques a punta de pincel, dejando que la mezcla se realice en la retina del observador

La técnica de pintar a base de la aplicación de los colores por medio de pequeños puntos ya había sido utilizada por pintores como Sisley y Pissarro, quienes pertenecieron al impresionismo. El puntillismo, se dice que fue creado y desarrollado en primera instancia por Seurat, el cual lo denominó en un primer momento "cromo-luminismo", y con el pasar de los años se le denominó puntillismo gracias a la forma de las pinceladas, o divisionismo debido a la rígida separación de los colores primarios y locales en puntitos.

Signac, Cross y Pissarro fueron otros autores importantes para este movimiento artístico, al igual que los divisionistas italianos, quienes se vinculaban al anarcosindicalismo y que a su vez terminaron por despegarse de sus homónimos franceses. En el impresionismo, los puntos más cercanos pertenecían a diversos matices similares dentro de una misma zona de color, pero en el divisionismo solamente se alteran los puntos de colores complementarios puros.

Las características más importantes del puntillismo:

  ·         En el puntillismo la imagen va a adquirir una identidad desconocida.

  ·         La obra se comienza al aire libre, pero a diferencia del impresionismo se termina en el taller.

  ·         Se encuentra nuevamente la diferencia entre la obra definitiva y el boceto.

  ·         Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que ayuda a la pérdida      de la espontaneidad.

  ·         Se observa una marcada tendencia a la esquematización de las formas y los volúmenes simplificados.

  ·         Existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el impresionismo era al revés, debido a que la luz incidía sobre los cuerpos.

¿Quién?

Georges-Pierre Seurat nació en París el 2 de diciembre de 1859. Fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte’ es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX.

A pesar del humilde trabajo de su padre, que era alguacil, su familia poseía una serie de tierras que generaban unos buenos ingresos. En 1875 Seurat ingresa en la escuela municipal de dibujo, en la clase del escultor Justin Lequien. En 1878, gracias a Edmond, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, donde estudió hasta 1879. A pesar de su buena voluntad, Georges no destaca por su talento artístico, obteniendo unos resultados mediocres. Consciente de ello, inicia su trabajo en el Louvre con gran intensidad copiando las obras maestras de Rafael, Holbein y Poussin. Interesado en adquirir mayores conocimientos técnicos estudia con detenimiento "La loi du contraste simultané des couleurs", y aplica sus conocimientos técnicos en su arte. Seurat creó la técnica de puntillismo.

La obra 'El circo malabarismo' fue pintada por el pintor francés Georges Pierre Seurat. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1891. Se encuentra en el Museo de Orsay, París, Francia.

Seurat representa el circo, con su atmósfera festiva.

Este cuadro trata el tema del circo, frecuentado en esos mismos años 1880 por otros autores como Renoir, Degas y Toulouse-Lautrec. Seurat lo trata con la técnica puntillista, en un cuadro en el que predomina el color amarillo. Seurat redujo su paleta a cuatro colores principales, con sus tonos intermedios, en estado puro; predominan el amarillo y el violeta, complementarios. Usaba esos colores en estado puro, mediante pequeños toques yuxtapuestos que se fundían en la retina del espectador.

Es la última obra de Seurat, empezado un año antes de morir de difteria. Realizó numerosos bocetos para esta obra y la dejó incompleta. La obra fue expuesta, aunque no estuviera terminada, en el séptimo Salón de los independientes, y durante el tiempo de la exposición murió Seurat.

Sitografía

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/neoimpresionismo.htm

http://www.galeriaeva.com/grandespintores/neoimpresionistas/

http://www.ecured.cu/index.php/Neoimpresionismo

Postimpresionismo

Los girasoles

Consiste en una serie de cuadros que comenzó a pintarse en 1888 por Vincent Van Gogh.

Técnica:
Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.

Sitografía:
http://www.sigojoven.com/grupos/museos_del_mundo/articulo/los-girasoles-de-vincent-van-gogh